낯선 익숙함 Chasing Statue

한정은 Jeongeun Han
황규민 Kyumin Hwang 

한정은과 황규민은 동양화를 출발점으로 삼아, 각자의 방식으로 동시대의 감각과 이미지를 구축해 나간다.
두 작가의 작업은 필치와 여백을 중심으로 한 익숙한 미의 형식에서 출발하지만, 그 안에서 낯선 감각과 새로운 서사를 길어 올린다는 점에서 맞닿아 있다.

한정은은 소멸에 대한 감각과 태도를 중심으로 작업을 전개한다. 그의 화면에는 이야기가 담겨 있지만, 하나의 고정된 서사가 아니라 관람자에 따라 자유롭게 읽히는 구조다. 직관적인 표현에서 출발한 한정은의 화면은 점차 은유적인 방식으로 이동하며, 감정의 결을 더욱 깊게 확장한다. 푸르고 차가운 정서를 띠는 한정은의 화면은 ‘소멸’, ‘이별’, ‘상쇄’와 같은 감각을 머금고 있으며, 이를 시각적으로 드러낸다. 특히 분수대, 조각상, 불사조와 같은 상징적 이미지들을 통해 ‘이별의 순간’을 견디고 기억한다. 상징적 이미지들이 드러나는 화면은 부재한 존재를 어떻게 기억 속에 머물게 할 수 있는지에 대한 기록이기도 하다. 한정은은 자신이 사랑하는 이들이 화면 어딘가에 존재하기를 바라며 장례와 추모의 공간 속 풍경들을 수집하고 재조합해 이미지를 만들어 낸다. 이는 우리가 어떻게 이별을 마주하고 받아들이는지에 대한 질문으로도 이어진다.

한정은은 전통적인 동양화의 문법을 그대로 따르기보다, 에어브러시의 현대적인 표현 방식을 적극적으로 끌어들인다. 화면 위에 분사되듯 축적되는 입자감과 인공적인 질감은 익숙한 동양화의 정서와는 다른 감각을 형성하며, 전통적 매체 위에서 동시대적 이미지 경험을 새롭게 구축한다. 이미지 속 빛은 이러한 감정의 흐름을 가시화하는 주요한 요소로 작용한다. 화면 위를 흐르고 응축되며 흩어지는 빛은 유동적인 리듬을 만들고, 붓질의 흔적과 에어브러시의 입자는 시간의 층위를 형성한다.

황규민은 동양화의 정의와 확장 가능성에 대한 고민 속에서 작업을 이어오고 있다. 그는 전통 회화의 형식에 머무르기보다, 사물의 기능과 구조를 변형하고 결합하는 방식을 통해 동양화가 작동할 수 있는 새로운 조건들을 탐색한다. 황규민은 화면에 옮기기 이전 다양한 이미지를 수집하고, 이를 자신의 감각과 손길을 통해 새로운 형상으로 변환시킨다. 작품 제목인 ‘고양 유어‘, ‘원효로 사과’, ‘런던 용’ 등은 특정 서사를 설명하기보다, 작업을 마주한 순간 직감적으로 포착된 형상과 감각에서 비롯된다. 이처럼 황규민의 작업은 명확한 재현보다는 이미지가 생성되는 감각의 흐름 자체에 가까워 보인다. 황규민의 화면은 매우 정교하고 높은 밀도를 지닌다. 이는 재현이라기보다, 떠오른 이미지를 가능한 한 세밀하게 붙잡아내고자 하는 태도에 가깝다. 동시에 화면을 여백 없이 밀도 있게 채워가는 방식 속에서도, 전통 문인화의 즉흥성과 흐름을 함께 드러낸다. 작업은 화면의 어느 한 지점에서 시작되며, 방향이 정해진 이후에는 되돌아가지 않는다. 그렇게 축적된 붓질과 흐름은 화면 안에 또 다른 방향성과 밀도를 만들어내며, 황규민 특유의 긴장감을 형성한다. 그의 작업은 이렇듯 익숙한 동양화와 유사한 시스템을 기반으로 하면서도, 그 내부에 새로운 맥락과 감각을 끌어들인다.

두 작가는 각자의 방식으로 확장된 표현 언어를 통해 동시대 미술 안에서 또 다른 감각의 다양성을 생성하며, 익숙함과 낯섦 사이의 긴장을 드러낸다. 《낯선 익숙함 Chasing Statue》은 바로 이러한 감각의 교차 지점에 대한 전시이다. 익숙하다고 믿어온 이미지와 구조는 이곳에서 미묘하게 어긋나고, 그 틈에서 우리는 새로운 감각과 마주하게 된다.

한정은과 황규민의 화면은 현실과 비현실, 기억과 감각 사이를 유영하며, 익숙하지만 쉽게 규정할 수 없는 장면들을 만들어낸다.

Hwang Kyumin and Han Jeongeun both begin from the tradition of East Asian painting, yet each constructs contemporary sensibilities and images through distinctly different approaches. Their practices emerge from familiar aesthetic conventions centered on brushwork and emptiness, while simultaneously drawing out unfamiliar sensations and new narratives from within those forms.

Han Jeongeun develops his work around the sensibility and attitude surrounding disappearance and loss. Narrative exists within his paintings, yet not as a fixed storyline; rather, the images remain open to interpretation depending on the viewer. Beginning from intuitive forms of expression, his practice gradually shifts toward more metaphorical structures, deepening the emotional layers embedded in the work. Carrying cool blue tones and restrained emotional atmospheres, his paintings embody sensations of “disappearance,” “farewell,” and “erasure.” Through symbolic motifs such as fountains, statues, and phoenixes, he endures and remembers moments of parting. These symbolic images become records of how absent beings may continue to linger within memory. Hoping that those he loves may remain somewhere within the image, Han collects and recomposes scenes from spaces of funerals and memorials, constructing images that ultimately ask how we confront and accept separation. Rather than strictly adhering to the grammar of traditional East Asian painting, Han actively incorporates the contemporary language of airbrush techniques. The sprayed accumulation of particles and artificial textures creates sensations distinct from conventional ink painting aesthetics, reconstructing contemporary visual experiences upon a traditional medium. Light within the image functions as a key element that visualizes emotional movement. Flowing, condensing, and dispersing across the surface, light generates fluid rhythms, while traces of brushwork and airbrushed particles form layered temporalities within the painting.

Hwang Kyumin, meanwhile, continues his practice through ongoing questions regarding the definition and expanded possibilities of East Asian painting. Rather than remaining within the conventional framework of traditional painting, he explores new conditions through which East Asian painting might operate by transforming and recombining the functions and structures of objects. Before translating images onto the surface, Hwang collects a wide range of visual references and transforms them into new forms through his own sensibility and gesture. Titles such as Goyang Your, Wonhyo-ro Apple, and London Dragon do not describe fixed narratives; instead, they originate from forms and sensations intuitively captured at the moment of encounter. In this sense, his work appears less concerned with precise representation than with the very flow through which images emerge. Hwang’s surfaces possess remarkable precision and density. Rather than functioning as acts of reproduction, they reflect an attitude of attempting to capture fleeting images as meticulously as possible. At the same time, even within densely filled compositions devoid of empty space, his work retains the improvisational flow and immediacy associated with traditional literati painting. Each work begins from a single point on the surface, and once its direction is determined, the process never reverses. The accumulated brushstrokes and movements subsequently generate new directionalities and densities within the image, producing the particular tension characteristic of Hwang’s work. While grounded in systems resembling familiar traditions of East Asian painting, his practice simultaneously introduces entirely new contexts and sensations into that structure.

Through their expanded visual languages, both artists generate new forms of sensory diversity within contemporary art, revealing tensions between familiarity and estrangement. Chasing Statue is an exhibition centered precisely on this intersection of sensations. Images and structures once believed to be familiar become subtly displaced here, and within those gaps we encounter unfamiliar perceptions anew. The worlds constructed by Han Jeongeun and Hwang Kyumin drift between reality and unreality, memory and sensation, producing scenes that feel familiar yet resist easy definition.

[작가노트 _ 한정은]

언젠가 다가오리라 예감했지만 결코 익숙해질 수 없는 이별들이 현실의 시간 안으로 들어왔다. 어머니의 병환과 나날이 기력을 잃어가는 반려견의 모습은 삶의 필연적 과정인 ‘죽음’과 그로 인한 이별을 대하는 회화적 태도를 질문하게 되었다. 이전 작업은 ‘진정한 소멸은 다시 나기를 꿈꾸는 것’이라 말해왔으나, 눈앞에 닥친 상실의 무게는 이전과는 다른 차원의 고민에 놓여졌다. 

이번 전시는 이별을 견디는 방식과, 그 부재를 기억 속에 어떻게 머물게 할 것인가에 대한 회화적 기록이다. 장례의 풍경과 추모의 관습,제례를 올리거나 추모공원을 찾는 행위가 남겨진 이와 떠난 이를 어떻게 연결하는지 주목했다. 추모공원에 놓인 조각상과 주변 풍경들을 수집하고 재조합하여 탄생시킨 새로운 이미지는, 사랑하는 이들이 이 풍경 속 어딘가에 여전히 존재하기를 바라는 간절한 마음의 투영이다. 

화면 속에 등장하는 분수대, 조각상, 불사조는 단순히 죽음을 애도하는 기호에 그치지 않는다. 그리고 빛이 쏟아지는 문을 호위하는 천사상들은 그것은 존재의 유한함을 인정하면서도, 떠난 이들을 기억 속에 머물게 함으로써 부재를 새로운 형태의 존재로 치환하는 매개체이다. 그리고 이들은 말하고자 하는 ‘이별의 순간’을 상징한다. 이는 단절된 끝이 아니라, 끊임없이 흐르고 진동하는 '서서히 이별하는 중의 상태'이다. 정적인 회화라는 멈춰버린 이미지 안에서 감정의 진동을 포착하는 것, 그것이 이번 작업을 관통하는 핵심이다. 존재란 무엇이며 우리는 어떻게 이별해야 하는가라는 물음에서 시작된 작업들이다.

Although I had long sensed that it would someday arrive, the reality of farewells — those we can never truly grow accustomed to — entered the time of everyday life. My mother’s illness and the gradual weakening of my companion dog led me to question a painterly attitude toward “death,” an inevitable process of life, and the separation it brings. My previous works had spoken of how “true disappearance dreams of being born again,” yet the weight of loss now standing before me opened an entirely different dimension of contemplation.

This exhibition is a painterly record of enduring separation and of how absence may continue to remain within memory. I focused on funeral landscapes, rituals of mourning, and the ways acts such as ancestral rites or visits to memorial parks connect those who remain with those who have departed. By collecting and recomposing statues and surrounding landscapes found in memorial parks, I construct new images that project a desperate wish: that those I love might still exist somewhere within these scenes.

The fountains, statues, and phoenixes that appear within the paintings are not merely symbols of mourning death. Likewise, the angel statues guarding doors flooded with light acknowledge the finitude of existence while simultaneously functioning as mediators that transform absence into another form of presence by allowing the departed to remain within memory. These figures symbolize what I wish to speak of: “the moment of farewell.” Yet this is not a severed ending, but rather a state of “slowly parting” — something that continues to flow and vibrate without cease.

At the core of this body of work is the attempt to capture emotional vibration within the stillness of painting — within an image seemingly frozen in time. These works begin from the questions: What does it mean to exist, and how must we say goodbye?

[작가노트 _ 황규민]

나는 동양화를 비유한 시스템을 만들어, 그 안에 동시대 서화를 입력한다. 가상의 인물 황씨 (b.1874)가 원작을 배울 수 있는 ‘화보’를 제작하고, 화보 낱장을 점, 획 등 ‘단위’로 이용해 새로운 그림을 만들어내는 것이 이 시스템의 틀이다. 나는 이 시스템을 이용해 서화→동양화→동시대 서화의 연결을 분명하게 그리고 싶었고, 서화 애호가 황씨의 눈으로 동시대서화를 바라보려 애썼다. 황씨는 긴 세월 그림 감상을 즐긴 서화 애호가로, 황규민의 그림을 보고 감동해 화보를 제작하기 시작했다. 그를 통해 동시대 서화를 만난 황씨는 최근, 조금 들뜬 모습으로 새로운 그림을 찾아 다닌다.

I construct a system that metaphorically references East Asian painting, into which I input contemporary calligraphy and painting. At the center of this system is the creation of a painting manual (hwabo) through which a fictional figure, Mr. Hwang (b.1874), can study original works. Individual pages from this manual are then used as “units” — such as dots and brushstrokes — to generate entirely new paintings. Through this structure, I wanted to clearly trace the connection between classical calligraphy and painting, East Asian painting, and contemporary forms of calligraphy and painting, while attempting to view contemporary works through the eyes of Mr. Hwang, a devoted enthusiast of traditional painting and calligraphy.

Having spent many years appreciating paintings, Mr. Hwang became deeply moved after encountering Hwang Kyumin’s work and began producing his own painting manuals. Through this process of encountering contemporary calligraphy and painting, Mr. Hwang has recently become increasingly animated, wandering in search of new images and unfamiliar works.

𝗗𝗔𝗧𝗘 | 𝟮𝟬𝟮𝟲.𝟱.𝟭𝟯 — 𝟲.𝟭𝟯

𝗢𝗣𝗘𝗡𝗜𝗡𝗚 𝗛𝗢𝗨𝗥𝗦｜𝟭𝟭𝗔𝗠 — 𝟲𝗣𝗠

𝗪𝗘𝗗 – 𝗦𝗔𝗧 (𝗦𝗨𝗡 / 𝗠𝗢𝗡 / 𝗧𝗨𝗘 𝗢𝗙𝗙)

𝗔𝗣𝗢𝗽𝗿𝗼𝗷𝗲𝗰𝘁 𝗦𝗘𝗢𝗨𝗟

서울 용산구 서빙고로 71길 25

𝟮𝟱, 𝗦𝗲𝗼𝗯𝗶𝗻𝗴𝗴𝗼-𝗿𝗼 𝟳𝟭-𝗴𝗶𝗹, 𝗬𝗼𝗻𝗴𝘀𝗮𝗻-𝗴𝘂, 𝗦𝗲𝗼𝘂𝗹